Anno 1940
3° lungometraggio Walt Disney Animation
fonte:
la tana del sollazzo
Il terzo lungometraggio di Walt Disney è un'opera assolutamente peculiare e fuori da ogni schema.
Fantasia
è un film a episodi che però nessuno si sognerebbe mai di scomporre, un
film che emana austerità da ogni fotogramma, compresi i più leggeri. Ed
è proprio questo a fregare
Fantasia:
non essere adatto a nessun target. Un'opera assolutamente elitaria la
cui lunghezza (quasi due ore, un record per quei tempi) potrebbe in
fretta annoiare i bambini, mentre il suo appartenere a un'arte "plebea"
potrebbe infastidire un certo tipo di pubblico spocchiosamente
raffinato. E benchè sia oggi universalmente riconosciuto come IL
capolavoro, punto d'arrivo dell'opera di Disney, questi problemi non
accennano a diminuire, come dimostrato dal flop ai botteghini del suo
seguito che, benchè confezionato in modo da avvicinare anche il pubblico
più ritroso, è stato bellamente ignorato al momento dell'uscita.
Uscito nel 1940, assieme a
Pinocchio,
il film si dimostra rivoluzionario sia nella sostanza che nella forma:
il film poi si apre su una sala da concerto, illuminata in modo da far
risaltare le silhouettes dei musicisti. Un serioso presentatore
introduce lo spettacolo e, cosa rara, parla del film stesso spiegando di
cosa si tratta. Sono spiegazioni tutt'altro che ridondanti ma che con
la loro metanarratività contribuiscono a dare al film quell'aura di
leggenda e rispettabilità che nessuno oggi si sognerebbe mai di mettere
in dubbio. Queste brevi sequenze live-action si inseriscono tra un
episodio e l'altro dei sette che compongono il film, e sono state più
volte modificate nel corso degli anni e delle edizioni: non è un mistero
che Walt sognasse di riproporre le proprie opere a distanza di anni,
come a volerne sottolineare l'immortalità.
Fantasia
infatti nasceva come opera da aggiornare di continuo con nuove
sequenze, ma se escludiamo il suo recente seguito, e alcuni
cortometraggi recenti che altro non sono che rimasugli di una terza
versione, il massimo che si è riusciti ad ottenere è un continuo
rimescolare le carte, con edizioni di ogni tipo, diverse per ogni paese
ed epoca storica: edizioni in cui veniva variato l'ordine delle
sequenze, alcune sparivano, altre tornavano. Tutto questo fino al 1990
quando uscì quella che viene ad oggi considerata la versione definitiva,
con il presentatore trasformato in voce fuoricampo, l'intervallo
spostato ai titoli di coda ma perlomeno con tutte le sequenze al loro
posto.
Toccata e Fuga in Re Minore (Bach)
Si
inizia con la "musica assoluta". Uno dei brani meno fruibili e allo
stesso tempo più intelligenti e soggetti a riscoperta postuma. La musica
prende vita solo dopo una manciata di minuti in cui viene ripresa
l'orchestra. Questo potrebbe penalizzare non di poco il brano, tuttavia
si intuisce come Disney abbia sentito l'esigenza di ritardare il momento
dell'animazione zoomando su quella che è la vera protagonista del film:
la musica. L'animazione oscilla poi tra astrazione e concretezza: luci
del cielo si alternano a immagini più reali, come dune rigate e macigni
che avanzano lentamente in lontananza. Spettacolare e un po'
inquietante.
Suite da Lo Schiaccianoci (Ciaikowski)
Questo
delizioso quadretto boscoso è a sua volta una concezione episodica. Ben
lontano dalla classica storia natalizia a cui è sempre stato associato
il brano,
Lo Schiaccianoci ci
mostra per la prima volta gi archetipi di quello che sarebbe poi
diventato uno dei personaggi-simbolo dello studio: Trilli. Le fatine
portano la primavera (o l'estate) aprendo così il pezzo più naturalista
del film. Si passa poi ai famosi funghetti cinesi, una delle più geniali
intuizioni, e ai fiori galleggianti, che vorticando assumono l'aspetto
di ballerine. Un po' troppo lenta forse la danza araba in cui delle
pescioline dal character design identico a quello di Cleo, danzano
usando le loro grandi pinne come veli, ma ottimo il contrasto con la
scatenata danza russa, che arriva successivamente risvegliando lo
spettatore. Prima del finale le fatine torneranno due volte, per portare
prima l'autunno e poi l'inverno nella suggestiva scena finale che offre
un vero e proprio spettacolo visivo di crescente intensità quando sullo
schermo la brina e i fiocchi di neve si modelleranno in forma
artistiche da far invidia alla moderna CG.
Lo Schiaccianoci sarebbe poi stato ricondotto alla sua originaria natura solo in tempi recenti grazie a un episodio del televisivo
Mickey Mouse Works, che ne ha riadattato la storia facendola interpretare a Topolino, Minni, Pippo, Paperino e Pico de Paperis.
L'Apprendista Stregone (Dukas)
Il
cuore del film è costituito da questo brano, inizialmente previsto come
cortometraggio di rilancio per l'obsoleto Topolino. Il restyling di
Mickey, ad opera di Fred Moore, sarebbe stato un altro dei grandi
cambiamenti apportati da
Fantasia.
L'espressività di Topolino, l'umorismo di certe situazioni e
soprattutto la modernità della regia, ricca di silhouettes e scene in
ombra o fuori campo (come ad esempio la distruzione della scopa), ce
l'hanno consegnato come il pezzo ideale da riproporre all'interno di
Fantasia 2000.
Per la primissima volta un personaggio dell'universo disney standard
entra nel mondo dei lungometraggi: non sarebbe certo stata l'ultima,
anche se questo sarebbe avvenuto quasi esclusivamente in film a episodi.
L'incontro finale tra Topolino e il maestro Stokowski avrebbe assunto
un valore simbolico nella storia del cinema, proponendosi come emblema
dell'incontro tra musica e animazione.
La Sagra della Primavera (Stravinsky)
L'introduzione
del brano pone l'accento sull'abitudine di Disney di pensare in
grande. E infatti si può dire che la nascita del mondo non sia certo una
materia leggera, specie per un gruppo di artisti che prima di allora
erano specializzati in funny animals, animali antropomorfi e umani
caricaturali. Il grande salto di qualità fatto con questo brano
impressiona tutt'ora: i dinosauri di
Fantasia sarebbero risultati più imponenti e inquietanti di quelli di
Dinosauri e
Alla Ricerca della Valle Incantata.
Molti
hanno posto l'accento sulla mancata coordinazione tra musica e immagini
nella scena della morte dello stegosauro. Personalmente ritengo che
l'accostamento non stoni affatto, ma che anzi conferisca al momento
quella "pulizia" a cui spesso viene associata l'idea della morte. Se
dovessi trovare un difetto al brano, invece non esiterei a puntare il
dito contro l'eccessiva lunghezza di alcuni momenti iniziali,
specialmente durante le scene della lava.
A questo punto del
programma si ha una piccola pausa in cui l'orchestra si esibisce in
un'improvvisazione. Successivamente il narratore fa entrare in scena,
per un gradevolissimo interludio, la Colonna Sonora, "un'artista timida e
schiva", che viene descritta come la vera protagonista del
lungometraggio. E' l'occasione per un gioco visuale che fa corrispondere
ad ogni suono una diversa figura, grazie alle deformazioni a cui è
continuamente soggetta la Colonna. Una cosa molto simile si sarebbe poi
vista ne
I Tre Caballeros, proprio per introdurre il personaggio di Panchito Pistoles.
La Sinfonia Pastorale (Beethoven)
Concluso l'interludio, si passa al brano più criticato di tutti. Introdotto, come
La Sagra della Primavera, ponendo l'accento sull'incontenibile fantasia di Walt,
La Pastorale risulta innegabilmente il brano più lezioso di tutti, nonchè pezzo forte delle invettive dei detrattori.
I
colori totalmente irreali e la sovrabbondanza di Dei e figure
mitologiche lo presentano come uno dei pezzi più vari (e più lunghi) di
Fantasia. Celebre è anche il caso della centauretta di colore, ritenuta
politically uncorrect e in seguito eliminata dal film mediante tagli e
zoomate. Rimane comunque uno dei pezzi in cui l'umorismo e
l'immaginazione degli artisti di Walt si esprimono al meglio.
Danza delle Ore (Ponchielli)
Il
penultimo pezzo si avvale di una forte carica di umorismo, che vede gli
animali simboleggiare le ore della giornata. Struzzi, Ippopotami,
Elefanti e Coccodrilli impersonano rispettivamente il mattino, il
mezzogiorno, il pomeriggio e la sera, dandosi il cambio in una serie di
balletti che hanno come teatro la casa e il cortile di un patrizio
veneziano. La capo-ballerina delle elefantesse e l'ippopotamo Giacinta
anticiperanno di molto quanto l'anno dopo si sarebbe visto in Dumbo,
mentre la struzza Opanova conserva ancora molto il tratto degli anni 30.
La parte migliore rimane senza dubbio il frenetico finale dove si
assisterà a una trasfigurazione ferina (e umoristica) del rapporto tra i
due sessi.
Una Notte sul Monte Calvo/Ave Maria (Mussorgski/Schubert)
Il Gran Finale di
Fantasia
è quanto di più inquietante si sia mai visto nella storia
dell'animazione fino al 1940. Semplicemente indescrivible il lavoro di
realismo compiuto sul personaggio di Chernabog, e il modo in cui
l'inquietante musica descrive gli spasmi dei demoni che si contorgono
fra le sue mani. Vero e proprio dolore visivo.
L'
Ave Maria
con cui il film si chiude potrebbe risultare forse un po' troppo lenta,
ma senza dubbio è la lirica e necessaria pausa che ci vuole dopo lo
stress emozionale vissuto sul Monte Calvo.
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